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ARTE POP

Warhol Superstar en Bancaja. Fernando Castro nos retrata al mito del arte pop

F. Castro: "Frío es una descripción demasiado caliente para su carácter. Warhol era glacial"
PAU BORREDÁ 2012-12-22
Muhammad Ali (Foto: Pau Borredá)
Muhammad Ali (Foto: Pau Borredá)

Andy Warhol Superstar (hasta el 6 de enero en el Centro Cultural Bancaja) se antoja como una oportunidad única para acercarnos a uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del s. XX. Se trata de una revisión de su obra gráfica conseguida a través de The Andy Warhol Museum, pero también un repaso a su personaje y a su vida, llena de luces y sombras. Fernando Castro, comisario de la exposición, nos hace una radiografía de este mito del arte pop.


¿Qué nos ofrece esta exposición?

Es una revisión de la obra gráfica De Warhol conseguida a través de la fundación Andy Warhol del museo de Pitsburg, su ciudad natal, y es una revisión de algunas de las series más importantes que produjo. Ofrecemos un retorno a uno de los grandes iconos del arte pop, un repensar qué aporta a la contemporaneidad una figura como la de Warhol, que debutó hace ahora exactamente 50 años, en 1962, y que mantiene su vigencia y se sigue rebelando como un artista de máxima actualidad.


De Warhol nos llega al imaginario colectivo imágenes concretas, como las latas de sopa Campbell, los retratos llenos de color de algunos de los personajes más influyentes de la época... pero Andy Warhol era mucho más que sus propias obras. ¿Cómo describiría usted al autor?

Es uno de los últimos artistas totales que viene a cerrar el mito del artista romántico, y también la idea del artista vanguardista. Es el gran maestro de lo culto y lo popular, pues rompe la distancia entre la alta y la baja cultura. Venía del mundo del escaparatismo y de las revistas de moda, con lo que no tenía prejuicios respecto a lo que era la cultura popular, y fue capaz de utilizar los elementos de reproducción técnica de imagen para hacer una iconografía con la que daba vueltas a temas obsesivos como el glamour, la fama, la velocidad, el sexo, etc.

Se fue expandiendo, y no tenemos que verle como un pintor o un artista de un único lenguaje, sino que utilizó otros formatos como el cine o la televisión. También colaboró con grupos de rock y diseñó discotecas. Es un artista que tenía un concepto integral, un modo de entender la producción artística como una factoría, y de ahí la creación de su Factory. Es un artista que anticipa los comportamientos del arte en una época global. Tiene muy claro que el arte es un negocio, que hay que entenderlo de una manera antiromántica y producirlo como una estrategia comercial deliberada. Eso hace que sea un artista constantemente retomado por gente del mundo de la publicidad o también por artistas contemporáneos.

Era un personaje silencioso, enigmático y de una gran lucidez. Esta exposición lo que quiere hacer es un retrato de Warhol utilizando sus propios retratos, pues en el fondo la obra de Warhol es siempre un autorretrato de sus pasiones y de su personalidad turbia, reprimida y dual, en la que observamos a la vez el lujo y la podredumbre, el éxito y el fracaso, todo ello trufado por imágenes que tienen una gran síntesis icónica.


Hablando más concretamente de su pintura, ¿cuál es la aportación de la obra de Warhol que, a su juicio, ha resultado más decisiva para el desarrollo y el crecimiento del arte pop?

La traslación de imágenes ya fabricadas a un soporte simplificado cromática y formalmente. Warhol es el antipintor, el pintor casi sin manos. Él se fija en nuestro escaparate, la televisión, y en lo que ahí tiene éxito. Era un escaparatista, y sabía que un escaparate tenía que ser algo que nos convenza y que nos incite a comprar, como un mecanismo de activación del deseo colectivo. Así pues, estaba hablando del deseo de gloria, del deseo de fama y trascendencia. Todo esto lo utilizará por medio de la obra gráfica actuando casi como un francotirador en el sentido estratégico.

Warhol utilizó la pintura únicamente por razones económicas, para financiar lo que él consideraba su parte más personal, que eran las películas. Una vez ha hecho las latas de Sopa Campbell, los retratos de las sillas eléctricas, etc. se da cuenta de que ya ha cerrado un capítulo, y que el resto que le queda es exprimir ese resultado. Su aportación a la pintura la hace en un periodo de apenas dos años, y a partir de entonces se propone incidir en la cultura en un ámbito más amplio. Se da cuenta de que la galería de arte o el museo son en cierta manera mitos, y que él quiere llegar a más gente, quería ser un artista de masas. No era un artista elitista, sino quería tener un público amplio y de hecho todavía hoy lo tiene.

Mencionas Warhol y es como mencionar un referente que está en el común. Warhol está en todo. La gran contribución de Warhol fue ser Andy Warhol. Consiguió ser él, siendo que no tenía un talento particularmente brillante para el arte, pero consiguió, por ser un gran estratega, que su modo de comprender el arte se convirtiera en un sello que ha quedado grabado en el mundo del pop.


La fotografía y la serigrafía era dos de las técnicas más utilizadas por el autor. Pero quizá lo que más pueda llamar la atención sea la seriación, la repetición de imágenes en cadena. ¿Qué idea pretendía transmitir Warhol con la utilización de este recurso?

Él jugaba con una clave de la época, como era la música repetitiva o las experiencias repetitivas, tratando de mostrar cómo se puede salir del aburrimiento a través del aburrimiento. Él se entretenía con lo aburrido. Jugaba a repetir algo y tratar de conseguir a través de la repetición que aparezca lo que llamaríamos "la pequeña diferencia". Juega con cómo la cultura genera copias, pero cómo una copia puede producir una diferencia. Al hacer sus serigrafías, a veces se quedaba con la que salía defectuosa. Buscaba el pequeño accidente, el azar, el error que en medio de la repetición producía una diferencia. Vivimos en una época de elementos repetidos, miméticos, idénticos, clonados, pero si te obsesionas en contemplarlos aparece algo diferente. Esta idea de repetir también está en el minimalismo. Se trata de cuestionar y atacar la idea de la obra original.


Con respecto a su papel en la exposición, ¿qué motivos le llaman a comisionar Andy Warhol Superstar?

La Fundación Bancaja me pide que haga la exposición. Yo había trabajado yt escrito sobre Warhol, y lo conocí cuando vino a Madrid en los años 80, y me interesaba hacer un retrato suyo y de su impacto que todavía hoy tiene, pero también quería mostrar este Warhol dual, más allá de la lectura convencional. Quería mostrar que, más allá de lo que ya se conoce del autor, también hay en él un mundo de sombra, de melancolía, de tristeza y de fracaso.

Quería quitar algunos tópicos de Warhol y también mostrar cómo se puede hacer una buena exposición de Warhol a través de obras aparentemente menores. Y he colocado muchos textos del propio Warhol porque quería mostrar que era un hombre que, aunque se le presentaba como poco intelectual o como un simple estratega del mercado del arte, también hay una filosofía de Warhol. Los puntos de vista que Warhol tiene sobre el dinero, la fama, el sexo, la sociedad, la política y su propia obra son bastante brillantes, y algún día deberíamos también acercarnos a este Warhol teórico de la cultura. A través de ciertas actitudes suyas, sobre todo en sus entrevistas, aparece un Warhol de gran lucidez intelectual.


En una entrevista concedida al diario Levante EMV, usted comenta que tuvo la oportunidad de conocer a Wahol en persona y que le cayó "fatal". Cuéntenos esta anécdota. ¿Cómo y dónde se conocieron, y por qué ese rechazo inicial?

Me cayó fatal y seguramente yo a él también. Pero en general me dio la impresión de que le caía mal todo el mundo salvo los que ya eran colegas suyos desde hacía tiempo. Tenía una vibración anticarismática. Era un tipo muy tímido, se protegía de todo con una coraza. Evitaba hacer concesiones a la gente que acaba de conocer.

Él vino a hacer una exposición en la galería de Fernando Vijande, en la que congregó multitudes, y recuerdo que estaba con una cámara fotográfica y a todo el que le hacía, disparaba un flash. Le dabas la mano y era como si se la dieras a un cadáver. Frío es una descripción demasiado caliente para su carácter. Él era glacial. Creíamos que Warhol era lo que nos habíamos imaginado a través de sus obras. Warhol era un perfecto burócrata de su arte. Era como si hiciera de Warhol, con una actitud impasible, se mostraba como si no le interesaba en absoluto lo que pasaba.

Todo el mundo quería ver su exposición. Era un mito que, como tantas veces sucedes, se te caía por tierra al conocerlo. Pero el mito como carne y hueso se te cae y crece el mito artístico. Creías que te tenía que caer bien el personaje pero con lo que te tienes que quedar es con la obra. Mi encuentro con él fue una auténtica lección Warholinana. Era una superestrella venida a menos, pero la obra como tal siguió manteniendo un gran atractivo para mí. De hecho, cuando tenga la oportunidad, quiero seguir haciendo muchas más exposiciones de Warhol y seguir escribiendo sobre él.

Es una figura contradictoria. Hay muchas cosas de las que dice, piensa y hace que a mí me sublevan. Cuando me pidieron que hiciera la exposición, fue uno de esos regalos que te da la profesión. Tuve la oportunidad de volver a pensar sobre un artista por el que no tengo una reverencia religiosa, pero sí soy un teórico que veo que en su trabajo hay muchas cosas por estudiar.


Con motivo de esta exposición, la Fundación Bancaja ha editado su ensayo sobre la estética Warholiana, en el que repasa su obra y sus aportaciones al arte contemporáneo de la segunda mitad del s. XX. Háblenos un poco de este libro.

Es un libro en el que yo he dado mi interpretación sobre cuál es el modo en el que se puede entender hoy a Warhol, y he hecho un esfuerzo de rastrear a través de sus textos y a través de lo que ha dicho la historia del arte sobre él, para dar una imagen multifacética. Creo que no hay un solo Warhol, y de él sobre todo nos inquieta ese carácter dual que ya he comentado.


Estudiando a Warhol, a su vida y a su obra, ¿qué es lo que más le ha sorprendido del autor?

Me sigue sorprendiendo el encuentro con sus entrevistas. Tal vez con lo que más he disfrutado es con una edición que apareció recientemente de conversaciones suyas con muchos medios. Eran entrevistas de monosílabos y respuestas lapidarias en las que era capaz de hablar de cualquier cosa pero riéndose de la propia entrevista y de los entrevistadores, pero siendo un zorro viejo en el laberinto de la comunicación. Me llamó mucho la atención cómo manejaba lo que yo llamaría el arte de la respuesta Warholiana. Creó una forma de aparecer en televisión y de contesta las entrevistas, y eso me interesó sobremanera.

También me inquieta mucho el Warhol final, las últimas obras que hizo antes de fallecer por una complicación en una operación de vesícula. Incluso yo mismo me vi en un episodio clínico parecido al suyo, y ello me llevó a darle vueltas a los últimos días de wahol, sobre los que quiero escribir ahora. Ese Warhol final que sin saberlo fallece me llamó mucho la atención porque parecía como si él mismo estuviera anticipando de forma inconsciente su propio funeral.

Pero sin duda la mejor sorpresa ha sido la respuesta del público. El silogismo es que empecé a preparar la exposición tratando de demostrar que Warhol sigue siendo de interés en la actualidad, y la afluencia de público me ha demostrado que su propio nombre atrae. Es más, Warhol interesa no solamente al gran público, sino que ha sido materia germinal para otros artistas.

Indios y vaqueros (Foto: Viu València)
Indios y vaqueros (Foto: Viu València)
Uno de los murales de la exposición (Foto: Pau Borredá)
Uno de los murales de la exposición (Foto: Pau Borredá)
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